En sen viktoriansk vampyr, en ärrad knivmördare från Vietnamkriget och en skräckhistoria online. Monster har alltid funnits, och många av dem har ett utgångsdatum.
Ett dammigt varumärke kan anta en karaktär ena stunden och sedan ersättas av en ny fantasi eller viral meme i nästa. I vissa delar av filmens monsterkyrkogård gräver industrin upp delar av samma gamla lik och försöker kombinera dem på nya och kreativa sätt, som en spöklik Tetris.
Förra månaden begravdes jag levande i en stor hög med saker när jag upptäckte en bortglömd samlarobjekt i en dammig DVD-box. Framför mig stod tre små byster: Dracula (Bela Lugosi), Frankensteins monster (Boris Karloff) och varulven (Lon Chaney Jr.). Med tanke på valet att ”rädda” eller ”slänga” tänkte jag skylla på dem för att de begravt de döda, men i det ögonblicket avbröt plötsligt min äldste sons höga röst min protest. ”Nej, det numret är väldigt känt!” invände han. Då måste de väl ha något värde?
Hollywood verkar tänka samma sak. Nya filmer och omtolkningar i filmvärlden låter oss inte glömma det gamla så lätt. Om du tittar tillbaka på förra årets filmrepertoar hittar du färska versioner av Varulven och Dracula, och Frankensteins Monster och hans brud. Under dagen läggs Lee Cronins ”Hamunaptra” till, i ett tjejigare format än Boris Karloffs rapversion av ”Hamunaptra Awakens” (1932).
Monster kan spåra sina rötter tillbaka till 1800-talsromaner och ännu äldre mytologi, men de har ett gemensamt hem inom film. Det är Universals stall med klassiska filmmonster. Även om det inte nödvändigtvis var där de alla gjorde sina filmdebuter, formades deras storbildspersonas under samma tak. Som den galna Dr Frankenstein, spelad av Colin Clive, en gång utbrast: ”Jag lever!” Ett filmmonsters födelseattest är lika viktigt som fenomenet och sammanhanget.
Och än idag verkar monstret ha lite liv i sig.
Studions första skräckcykel började tyst med kortfilmen Dr. Jekyll and Mr. Hyde (1913), innan den gick vidare till nya höjder med The Hunchback of Notre Dame (1923) och The Phantom of the Grand Opera (1925). De två sistnämnda innehåller Lon Chaney, känd för rädda biobesökare som ”Mannen med tusen ansikten” för sin oöverträffade förmåga att bli ett med groteska uttryck som smink och masker.
Hans son Lon Chaney, Jr. skulle senare föra arvet vidare med The Wolf Man (1941), men däremellan kom två filmer som blev emblematiska för Universal och filmmonster i allmänhet: Tod Brownings lika kusliga, gäspande teatraliska The Mystery of Dracula (1931) och James Whales skräck-romantiska11 Frankenesteins skräckromantiska1 poesi913 Frankenestein.
Tidiga publikframgångar följdes av en kraftig nedgång för B-filmer, men i augusti 1938 började Wilshire Regina Theatre (nuvarande Fine Arts Theatre) i Los Angeles regelbundet visa ”dubbelfilmer” (två filmer för priset av en) bestående av de banbrytande filmerna Dracula och Frankenstein. Intresset var så stort att studion gjorde kopior till stora nya filmpremiärer.
Det har varit upp och ner sedan dess. Strax före millennieskiftet blev Stephen Sommers äventyrsfilm Hamunaptra (1999) en oväntad framgång, snart sällskap av samma regissörs nostalgiska hjärtesorg Van Helsing (2004), med Hugh Jackman i huvudrollen som vampyrjägare.
Efter några halvhjärtade mellanspel överraskade Universal med den omedelbart hånade storfilmen Dark Universe. Med Tom Cruise själv i huvudrollen, skapades och släpptes filmens monstersvar på Marvels superhjältefenomen tillsammans med ett dramatiskt gruppfoto där Cruise poserade med Russell Crowe, Johnny Depp, Javier Bardem och Sofia Boutella. problem? De planerade hela serien utifrån rent hopp. Den första testballongen kom i form av den Cruise-stjärniga axelryckningen Hamunaptra (2017). Den här actionfilmen har fler kännetecken för Starrs kassaflopp Mission Impossible än Karl Freunds hemska film från 1932.
Så varför har Dark Universe blivit ett helt förlustbringande företag? Kanske är ”The Mummy” tänkt som en självironisk titel, som återspeglar filmens åldersföraktande stjärna över 50 år, men om inte, varför döpa en film efter ett oälskvärt monster? Vilken kan knappast kallas ett monster? När man ser tillbaka är det svårt att minnas något annat än Tom Cruise, som fortsätter att springa i en sådan takt att det verkar som om han flyr från kritikerrosen.
Misslyckandet med ”Mumien” illustrerar tydligt vad som kan gå fel med modernisering. Det är lätt att glömma fallet, nyckeltalen, vad allt är byggt på – monstret.
I en filmisk värld fylld av kod och datoranimation lyser monsterfilmer som ledstjärnor av antikt hantverk. Den klassiska monsterfilmen är som bäst med analoga effekter, fantastisk sminktung produktion och en modig skådespelare som kan bära Cheneys arv.
I en filmisk värld fylld av kod och datoranimation lyser monsterfilmer som ledstjärnor av antikt hantverk.
Regissör Guillermo del Toro sa: ”Jag hatar digital teknik. Jag älskar det som användare, men jag ser bara inte uppfinningsrikedomen.” Från Hellboy (2004/2008) till den nostalgiska germanska romansen The Shape of Water (2017) har han blivit en ambassadör för monsterfilmer. Senast fick Jacob Elordi roll i Frankenstein (2025), där han spelade ett monster skapat av en gudsföraktande vetenskapsman spelad av Oscar Isaac.
Passionsprojektet är på gränsen till obligatorisk hantverksporr. Ibland känns det som en guidad rundtur i Del Toros Museology Brain Office. Den är så noggrant inredd att den hänger som en ”se men rör inte!” Det är ett tecken på att undvika att sugas in i den taktila världen.
Det är värt att notera att regissören del Toro, som har kallat Monster ”den mest privilegierade minoriteten” och ”imperfektionens skyddshelgon”, länge hade drömt om att anpassa Mary Shelleys roman till en film. Timingen för att drömmen skulle gå i uppfyllelse var perfekt.
Förutom att förbli en pålitlig kassako, får skräckgenren även gruppinbjudningar till röda mattan. Förutom del Toros Frankenstein, som vann tre Oscars för kostymdesign, smink och hår och scenisk design, vann Southern-vampyrdramat Sinners (2025) fyra av rekordhöga 16 nomineringar. Dessutom vann Amy Madigan en välförtjänt Oscar för bästa kvinnliga biroll för sin insats i Weapons (2025), där hon spelade en hysterisk häxa i andan av den fräcka 60-talsversionen av Bette Davis och Joan Crawford.
Kanske är Oscarsstödet ett resultat av den genreförnyelse som pågått i allmänhetens sinne ända sedan folk började höra talas om det skruvade konceptet ”high horror”, med företag som A24 och Neon som agerar som om skräck är en nyfunnen sandlåda för experimentella författare. Med tanke på detta är det inte så uppenbart hur gamla skolans filmmonster kommer med högkulturstämpeln.
För del Toro är hans kärlek till materialet redan ironiskt hög. För honom är filmen både ett passionsprojekt och en ära, men hur förhåller sig de andra nya monstren till hans familjs historia? Utstrålar entrén på samma sätt en pittoresk känsla?
Leigh Whannells The Wolf Man (2025) och Maggie Gyllenhaals The Bride! (2026), Jesse Buckley och Christian Bale spelar Mrs. och Mr. Monster, som är som Mars och Venus för varandra. Om den ena har att göra med giftig maskulinitet är den andra ett feministiskt befrielseprojekt. Båda försöker uppdatera etablerade perspektiv genom att utmana dem.
Det har Whannell redan gjort med kritikerrosade The Invisible Man (2020), en Metoo-inspirerad omtolkning där en våldsam, svartsjuk man försöker göra sin ex-älskare galen med ett osynlighetstrick så att alla misstror henne. ”The Wolf Man” tar bort den typiska mannens kodade värld i en tuff Oregon-miljö med jaktgevär och flanellskjortor. Här återvänder Christopher Abbotts familjefar som vuxen för att städa herrgården, men blir snart biten och möter en biologisk förbannelse.
”The Wolf Man” fick inte mycket uppmärksamhet, men det kan knappast sägas om Maggie Gyllenhaals ursnygga ”Bride!” På bara några månader sedan debuten har den hyllats, hånats och avfärdats som årets största misslyckande av branschpublikationer. Inom marknadsföring är Gyllenhaal känd som en modig visionär. Tyvärr känns det mer som att bevittna ett oredigerat flöde av idéer än en välskriven berättelse.
Det är bättre att försöka misslyckas än att vara feg, men det är verkligen tråkigt att se reaktionerna från några i publiken. ”Bruden!” för de kräsna! Det här är ett klassiskt exempel på vad som händer när kvinnor får för mycket budget och för mycket frihet, både kommersiellt och konstnärligt. Pratar du om kvinnlig byrå? Om fysisk avsky? Uppror mot den manliga maktordningen? Hmm, hmmm!
Nej, om Universal’s Creature skulle skiljas från traditionen med flerskiktsskildringar av alienation skulle det krävas en betydande historisk utelämnande. Den ursprungliga Bride of Frankenstein (1935) regisserades av homosexuella James Whale och spelade gayskådespelaren Ernest Thesiger som monsterskaparen Dr. Pretorius. Som den visuella och auditiva författaren Christopher Machel uttrycker det skapar provocerande dialog och ”bilder av två män som skapar ett liv tillsammans” ett generöst utrymme för queer läsning. Detsamma kan för övrigt sägas om Draculas dotter (1936), som inkluderade lesbiska inslag.
Så vad är funktionen för den nya monsterfilmcykeln? Sanningen är att de handlar mindre om att modernisera och uppdatera, och mer om att titta på äldre versioner med nya ögon och inse hur mycket de redan har att säga. I den meningen, ” Brud! Det ses som ett modigt försök att skapa dialog över generationer. Den anakronistiska punkkalkonen lyckas trots allt kombinera fjärde väggbrytande Mary Shelley-monologer med 1930-talsgangsters, Chicago och moderna popframträdanden av Fever Ray.
Säg vad du vill om resultaten, men du kan inte klandra Gyllenhaal för kreativ lättja. Jag tror att hon kommer att vara den längsta livslängden av de återupplivade filmmonstren. Inte för att hon gjorde det största, bästa, vackraste, utan för att hon på sitt oälskvärda sätt gjorde något som inte många andra kunde göra.
Endast genom att våga visa monstrets hela kroppsbild kan vi fånga dess ande, som överskrider nationella gränser.
Lär dig mer om film och tv på DN och läs text av Sebastian Lindvall.
