○Utanför V&A:s nya hem i östra London stirrar en obeskrivlig ung man tomt på den gamla Olympic Park. Den fem meter höga skulpturen är en populär design som kombinerar ”bilder, 3D-skanningar och observationer” av lokalbefolkningen. Det är lätt att förstå varför Thomas J. Prices idéer tilltalar museer som vill engagera sig i regionens olika samhällen. Här ser vi essensen av östra Londons ungdom uttryckt på skalan av Michelangelos David, men genom att jämna ut skillnaderna mellan individer sänder det ett förvirrande budskap.
I slutet av dagen är det den algoritmiska logiken som aggregerar data och identifierar gemensamma nämnare. Oron är därför att det här museet på samma sätt kommer att förutse publikens önskemål baserat på prediktiva modeller, och styra besökarna mot saker som de är mer benägna att ”gilla” och bort från åsikter som de sannolikt inte kommer att dela. Det är därför en lättnad att gå in i byggnaden och hitta en vision av hur människor formas och kulturer möts som är oändligt mycket rikare, mer heterogen och friare än vad första intrycket antyder.
Det första av två gallerier som visar föremål från detta nya museums samling är mycket roligt. Eileen Grays suggestiva konstruktivistiska mattor ekar Derek Jarmans punkdesign och Vivienne Westwood och Rei Kawakubos kostymer. Men dessa kompletteras ytterligare av Althea McNishs briljanta tryckta tyger, som visar hur designers som arbetar inom en infrastruktur av massproduktion hade ett djupare inflytande på utseendet på Storbritannien efter kriget än någon haute couturier. Det är ett slående exempel på hur olikheter inte bara berikar, utan också kommer att definiera en kultur – McNish talar om att ta med färgerna från sitt hemland Trinidad in i sitt nya hem i den medföljande videon.
Fler teman kommer. Placeringen av en hopfällbar skärm av japanska målningar som dokumenterar ankomsten av europeiska sjömän bredvid textilier som dokumenterar den egyptiska revolutionen 2011 antyder fokus på kolonial expansion och imperialistiskt våld, två frågor som plågar V&A:s samling. Utställningen utforskar William Morris förbindelser med närliggande Walthamstow och visar att föremål konsekvent är fixerade på den plats där de producerades. Liksom McNish, som skapade tygmönster och Liberty-tryck för British Railways, visade Morris hur en integrering av konst i vardagsupplevelsen kunde förbättra levnadsvillkoren för alla medlemmar i samhället.
Att vårt välbefinnande beror på vår miljö symboliseras av de svängda träfåtöljerna på Alvar Aaltos sanatorium. Samtidigt ger en underbar talismanisk skjorta inskriven med hela texten i Koranen ytterligare ett exempel på hur vardagsföremål kan ges en återställande effekt. Arakawa och Gins modell av ”semesterhuset med lång livslängd”, som ombildar hemmet som en hinderbana för att hålla sina åkande smidiga, är en bra analogi för kurationsstrategier som uppmuntrar besökare att välja sina egna vägar och skapa sina egna förbindelser. Allt kommer inte att fungera, men principerna är bra.
Det visar också museets verkliga värde. Som invånare i stadsdelen kan jag intyga att en sak Hackney inte saknar är kreativa människor som ”firar sin kreativitet” (de firar regelbundet sin kreativitet i mitt flerfamiljshus, till exempel när jag försöker gå och lägga mig). Men om man tittar förbi formuleringen i pressmeddelandet är det uppenbart att intendenterna inte misstar ankomsten av ett nytt museum till den här delen av London för kulturens ankomst. Istället positionerar de museer som något mer som en verktygslåda eller en kattunge, en delad fond av prejudikat och modeller för blivande konstnärer och designers att samla in.
Till exempel är det lätt att se hur en skjorta helt stickad av laxskinn av Nivkh-hantverkare kan inspirera unga designers som arbetar med förnybara material. Eller hur Claude Cahans fotomontage kan uppmuntra unga människor som är begränsade av de identiteter som samhället tilldelar dem. När allt kommer omkring är den mest användbara resursen för dem som vill förändra framtiden alltid det förflutna. Den indonesiske arkitekten Ibukus bambuhus visar hur en ny generation designers återvänder till traditioner som undertryckts av moderniteten för att omkalibrera våra relationer med varandra och den naturliga världen.
När du går in i museets första specialutställning, Music is Black: A British Story, får du sensorutrustade hörlurar som guidar dig genom en labyrint av videor, kostymer, skulpturer och fotografier, tillsammans med sångerna de spelar in. Detta briljanta försök att spåra den mångfaldiga musikkultur som uppstod ur den våldsamma påtvingade migrationen av afrikaner under slavhandeln faller oundvikligen offer för sina egna kolossala ambitioner. Men inom denna med nödvändighet synoptiska historia av svart musik finns fröerna till många andra utställningar, från mediahysterin kring smutsens födelse vid sekelskiftet till 2 Tone och den antirasistiska koalitionen i slutet av 1970-talet.
Poängen är kanske att så idén. Eftersom Music is Black etablerar en utställningsmodell som fungerar bra för denna organisation. Berättelser relaterade till V&A:s egen koloniala historia berättas igenom och utmanar de kulturer som uppstått ur den. Kombinationen av kraftfull musik och kontextuell information skapar en komplexitet som bara uppstår när sinnena och intellektet tvingas verka samtidigt och osammanhängande.
Det här programmet försöker inte återskapa fasorna i slavhandeln och rasismen som svarta britter upplevt genom musiken som härrör från dessa upplevelser. Istället uppmanas besökarna att omfamna dessa två saker i sina sinnen och kroppar, och att överväga musikens förmåga att uttrycka lidande samtidigt som den framkallar glädje.
V&A East, London, öppnar den 18 april
