Steve McQueens första stora film, en Chris Ofili-målning som hyllar Doreen och Stephen Lawrence, och fotografier av Hacienda-klubbgäster kommer att visas på Tate Britain som en del av 90-talets utställning.
Utställningens curator, Edward Enninful, en tidigare chefredaktör för brittiska Vogue, sa att utställningen skulle utforska årtiondet av konst och mode som omformade Storbritanniens kulturella identitet och ”etablerade förhållanden som fortfarande existerar idag”.
’The 90s: Art and Fashion’, som planeras att släppas i höst, kommer att innehålla verk av nästan 70 konstnärer, fotografer och designers, från unga brittiska konstnärer till Alexander McQueen och Damien Hirst.
Den riktar strålkastarljuset på den unga konstnärliga talang som växer fram under denna period och ger publiken möjlighet att ompröva perioden som en vändpunkt i brittisk konst. Den här utställningen visar konstnärer som väckte uppmärksamhet till dem som till stor del var uteslutna från den dominerande berättelsen om Cool Britannia på den tiden.
Bland verken som presenteras är Steve McQueens första stora film, Bear (1993). Filmen är en filmisk skildring av en intim konfrontation mellan två män. Ofilis Turner-prisbelönta målning No Woman, No Cry (1998) skapades för att hedra familjen Lawrences. En video av Keith Piper som reflekterar över sport och nationell identitet.
Tait sa att utställningen kommer att börja med att utforska tidens ”gör det själv”-attityd, med hjälp av fotografier tagna av Colin Day, Nigel Shafran och Jürgen Teller, som låg i framkant när det gäller att definiera ”anti-mode” grungestil, för publikationer som iD och Dazed & Confused.
I filmen spelar Barbara Walker, Jenny Saville och Gillian Wearing, som använde verkliga människor som musor, samt Tracey Emin, Sam Taylor-Johnson och Sarah Lucas, som fängslade allmänheten med sin anarkistiska anda och uppriktiga arbete som tacklade subjektivitet, identitet och klass.
Decenniets ungdomliga attityder fångades i film och fotografi, från Mark Leckeys film Fiorucci Made Me Hardcore från 1999 till filmer som dokumenterar unga människor nattetid på klubbar som Manchesters Hacienda och Londons Bagley’s.
Utställningen kommer också att utforska konceptuella rörelser som Hamad Butts svar på effekterna av AIDS-krisen och Hearsts formaldehydfyllda skulpturer.
Från Alexander McQueens provocerande presentationer till Hussein Chalayans kläder inspirerade av vardagliga föremål, kollektionen innehåller verk av visionära designers som suddade ut gränsen mellan konst och mode.
Utställningen avslutas med konstnärer och designers som granskar Storbritanniens förflutna och framtid, inklusive Yinka Shonibare och Maud Salter, som ifrågasatte mångfald och representation, och Vivienne Westwood och John Galliano, som ifrågasatte stil, klass och nationella myter.
Enninful sa att 1990 var ett ”ögonblick av övergång”, och tillade: ”Då var London inte den sofistikerade världshuvudstad det är idag. Det var rått, instabilt och fullt av möjligheter. Även om det inte fanns några ord för att beskriva det, fanns det en känsla av att något höll på att förändras.”
”För mig var det som definierade den eran inte en enskild rörelse, utan en energi: ett förkastande av hierarki och en tro på att nya röster kunde och borde höras inom konst, mode, musik och filmskapande.”
Som en ung svart man från Ladbroke Grove i London sa han att det här ögonblicket också handlade om tillgång och ”att hitta en plats i ett utrymme som inte byggdes med mig i åtanke.”
”Situationen som etablerades på 1990-talet är fortfarande med oss idag,” sa Enninful. ”Samsmältningen av hög- och lågkultur, politiseringen av mode och image, och framväxten av mångfald som en kreativ kraft.
”Och kanske viktigast av allt, den här händelsen påminner oss om att frågorna vi ställde då – frågor om synlighet, tillgång och vem som kan se – fortfarande är akuta idag.”
Enninful tillade att utställningen var ”en inbjudan att inte se tillbaka, utan att se igen och ombilda årtiondet, inte som ett kapitel som har avslutats, utan som något som fortfarande utspelar sig.”
