iDet finns något bekant med spelet, som presenterar spridda scener från en enda kvinnas liv, framförd av fem olika skådespelare. Det beror på att det var den centrala föreställningen av förra årets Annie Arnax år, seriskt anpassar sig för scenen.
Mary Page Marlowe hade premiär på Chicagos Steppenwolf Theatre 2016 och tog en liknande form. Elva icke-kronologiska scener spårar livet för Mary Page Marlowe, en revisor, hustru till tre män, mor till två och dotter till en alkoholist under 70 år, när hon kommer till sin egen. Hon spelas också av fem skådespelare (och en docka).
Att jämföra detta spel kan vara orättvist. Dessa verk bildar ett kubistporträtt av två mycket olika kvinnor, som lever på separata kontinenter och tidsperioder, men en överskuggar fortfarande den andra. Detta spel av den berömda amerikanska dramatiker Tracy Letts har många searing -scener och är mycket tittbar med konsekvent god dialog, men inte mycket när det gäller polyfoni eller totalt sett.
Stardust är dock definitivt bra. Om London Theatre har sett påverkan av Hollywood-royalty under senare tid är få mer kungliga än Susan Sarandon, som spelar den äldsta ledande damen tillsammans med Andrea Riseborough som medelålders Mary.
Liksom Let’s ’2007 Pulitzer Prize-vinnande drama August: Osage County, detta drama kretsar kring en familj fylld med snodig, kryddig humor och kärlek och hat.
Det börjar med att Mary tillkännager sin skilsmässa till sina barn, och sedan vänder fram och tillbaka därifrån, inte för att dra en rad korrespondens mellan scener eller för att förklara hur Mary kom härifrån till där, utan helt enkelt för att göra det. De blinkar minnen, några tyst, vissa explosiva.
Det är vackert regisserat av Matthew Warchus som tar fram fantastiska föreställningar från ensemblen. Sarandon spelar med lätthet, säkerhet och fullständigt ägande. Riseborough, med sin bakre spratthalv, är fantastisk som en kvinna vars liv har skadats genom att kastas av kursen. Rosie McEwen spelar en otrogen fru som känner sig som en skådespelare i sitt liv och ger glittrande, farlig kraft till scenen. Mary, den yngsta 12-åringen som försöker imponera på sin hårt drickande mamma som spelas av Alisha Weir, och den hoppfulla gymnasieelever som spelas av Eleanor Worthington Cox, är lika roliga att titta på som resten av rollen.
Scenerna själva är kraftfulla, från en söt sömn med vänner som förutsäger en ljus och hoppfull framtid för Mary att bekännelser om olycka, fånga smärtan i nära relationer med naturalism. I en av hennes mest rörande filmer spelar Sarandon en äldre Mary som står inför döden, försöker säga något viktigt, men håller sedan tillbaka det.
På ett frustrerande sätt är det resultatet av hans spel. Rob Howells uppsättning, iscensatt i omgången, är väl gest och en flaska sprit är aldrig utom räckhåll. I teorin visar cirkeln Mary från alla sidor, men hon är aldrig tydligt synlig. Hon förblir svårfångad, caesura mellan scener som är för breda för att bilda en komplett bild. Kanske är det poängen. Men det gör att du vill veta mer och känna dig avgörande.
Medan åren föreslår att vi som individer innehåller många, är de fem aktörernas argument här ännu mer hala. Genom dem ställs viktiga frågor: känner vi oss själva? Spelar vi Shakespearean skådespelare bara en roll? Och hur är det att förutsatt att en roll korsar den konditionering som kvinnor absorberar och som Mary vill göra uppror mot men i slutändan underkastar sig? Spelet väcker dessa frågor och lämnar dem sedan obesvarade. Och är det Mary framställt som en ytterligare konstnär på livets stadium, eller vad ligger under den masken? Jag förstår inte riktigt.
